「呼喚遙遠的城市」藝術創作座談會(上)

「呼喚遙遠的城市」藝術創作座談會
引言人：葉家銘(國立台北藝術大學美創所 研究生)
與談人：溫孟瑜、吳軒慧、劉慧中、林義隆、蘇郁嵐、顏妤庭、蔡宇恩、盧紀帆、柯毓珊、黃冠鈞（依座談發表順序）
講評人：江衍疇(國立台北藝術大學 教授)

 

溫孟瑜，《當我們凝視彼此的時候》，

2010，壓克力、畫布，30x30cm。

↑ 溫孟瑜的創作自述：

將記憶中的物件轉化為創作的元素，然而，回憶通常摻雜了真實與虛構的成份。在我們這個世代，物質慾望容易被滿足與實現，卻又容易快速的逍失。這讓人產生不安全感且焦慮，漸漸地對生活有些的麻木。
為更了解自己，因此，我從作品中去建構安全感，用記憶和物件，保存時間的溫度。在《沙發與飛碟燈》、《角落的單人沙發》和《當我們凝視彼此的時候》作品中，雖然這些與我生活相關的物件真實地存在於畫面，卻又必需修改得更符合自己期待的樣貌。在這一系列作品中，雖然有空間，欲是無人狀態。這也是讓我透過作品端看自己生活過的空間，並留下其中的情感，更顯現出記憶的永恆。
講評：
在溫孟瑜同學的作品中，我們可以看到一些普普藝術抽象性的結構，從色彩和構圖去處理安全感的問題 。極少創作者可以從再熟悉不過日常生活用品中，截取其物件創作。她不但從這些生活物件重新組合，還能創造出自己的繪畫語言，是相當難能可貴的。

 

吳軒慧，《遊》，2010，紙本設色，

53x45cm。

↑ 吳軒慧的創作自述：

停下片刻欣賞美麗的自然風景，對現代人來說無非是種奢侈的享受。古代繪畫中富有詩意的田園山水，如今被都市叢林所取代。體會緩慢的生命節奏，而不是浪費生命，讓緩慢的片刻變得彌足珍貴。
在《原初》系列八幅作品中，我所想要表現的是，地球就像一個母體，不斷孕育出不同物種，並提供其養份，生命的循環也就此展開。試著感受那生命中緩慢的流動性，當時間緩慢地凝結瞬間，快與慢，就像電影《青蜂俠》的表現手法，雖然只是短暫的數秒，卻能清晰地展現出節奏，而這種節奏是對自己生活的反芻。
講評：
50-60年代水墨創作的實驗期，多以撕、潑、灑、甩…等方式創作，如今又回歸到貼近內在的表現方式。其實創作的工具愈是簡單，反而愈能貼近創作者的內心世界。謂其「人如其畫，畫如其人」的道理，畫作往往直指人心，一種身體性的哲學思考，生活修為的傳達，也就是其創作者精神的投射。我們可以看到吳同學的創作呈現正是這個面向，畫作表現出夢境般的哲學思考。



劉慧中，《飯後餐點》，2010，

油彩、畫布，53x45.5cm。

↑ 劉慧中創作自述：

我的創作主要在思考人與人之間的互動關係，文學典故、寓意的哲學以及生活感思，尤其兒童文學如童話般夢幻的表現手法是我經常運用的。偏好以兒童形象為素材，再以成人的視角模擬兒童的語彙和觀點，直覺性的寓意，又具備社會化成熟的思考邏輯。
在《童話》、《象牙搭》、《甜蜜的傷害》和《飯後甜點》等作品，我以挪用和空間錯置等手法，讓物體不合常理的狀態存在，創造出奇幻、詭譎又驚悚的效果。其中看似奇幻唯美的構圖，兒童可愛甜美的形象，卻潛藏著不安的鬼魅氛圍。運用視覺與心理極度反差的手法，企圖將觀者拉回現實，藉此思考人與人之間的互動。
講評：
劉慧中同學的創作，讓我想到法藉畫家Balthus的作品。在作品中，我們可以強烈地感受到在甜美詩意般的畫面中，卻潛藏著不安的焦慮。其中運用童話和神話的情節做為隱諭，繪畫技巧上以物性與質感的反差，造成視覺與心理上的差異效果，這樣的創作動機是非常有趣的。
 




林義隆，《星球旅行》，

2010，銅版腐蝕，56×34.5cm。

↑ 林義隆的創作自述：

我的小王子計劃：「當你摘下一朵花的同時，也移動了宇宙最遠的一顆星星。」日記就是我的百寶箱，而創作就像作實驗。
由於主修版畫，創作的媒材以凹版腐蝕為主。創作的過程中，一瓶藥水加上另一瓶藥水…，等待結果，這就感覺像在實驗室裡做實驗的科學家一樣。我想透過這種實驗的概念，去塑造出新的基因，並透過重組，將自身感受轉化為新的符號。這些符號圖像多數是非常態和變形的物種。他們靜止於分割好的時空裡，在宛如劇場的空間裡，等待一些事情的發生。《星球旅行》系列的作品中，物種的狀態，其實也是我自身經驗和情緒的投射。
講評：
在他版畫創作中，我們經常可以看到具有戲劇張力的舞台效果，構成一幅個人色彩的文學世界。就如同他所述的，雜記是他的百寶箱，經常可從中挑選創作的物件，微觀其中充滿個人細膩的物件，便可一窺其生活舞台。






蘇郁嵐，《小島一瞥》，2010，

壓克力、畫布，50x50cm。

↑ 蘇郁嵐的創作自述：

「遙遠的一方。在這裡的此時此刻，我滯留在原地，順著方向，路線，靜靜的期望著，可能太過遙遠，我始終搆不著那海平面。」當我們在這島內移動，時間隨著流逝。但又因網路模擬旅行的錯亂，隔著距離在模擬狀態下，體驗了真實的情境，讓沿途風景既熟悉又陌生的似曾相識感。或許在旅行的過程中，有些事物已經在等待著你。
我想透過《小島一瞥》、《午後的遮陽棚》和《海水浴場》一系列的創作，留住移動狀態下，那空間帶來的即時訊息，讓畫面再現而暫留。保留對遙遠一方的想法，躲藏在移動狀態下的感官體驗，其中的感動與刺激，重新透過繪畫去感受。藉此，讓個人的投射情感凝結在那一瞬間。
講評：
蘇郁嵐同學是總評審的第一名。我們可以從一些時代的藝術家發現，創作與國境地理的對應，例如歐陸最常見的即是森林，而地處四面環海的島國，自然反應出的是海岸邊線。相信大家有這樣的經驗，當我們在行進中，不論是以肉眼或攝影，愈近的物體一定是愈模糊。而蘇同學在這海岸旅行的創作中，在前景和後景巧妙地運用硬邊處理物體停頓的瞬間，中景的雲、風、樹等，不知是因移動而動，亦或是因風而動，還是如禪宗六祖慧能所言的是心動。

 



顏妤庭，《剪枝》，2010，

紙本設色，53x53cm。

↑ 顏妤庭的創作自述：

「那天，我夢見被種在盆裁裡。」《盆玩》系列的作品，內容主要以擬人手法作轉化，盆栽中扭曲變形的植物被賦予了人類性格，企圖表達人為追求意志中的「美」和「仿自然」，而對盆中植物（自然）所作的總總人為加工，諸如：剪枝、鋸幹、纏繞和鑿刻仿古，遊離在追求自然即是壓迫的矛盾之間。
延伸這樣的想法，我選擇以東方古代貴族的閒暇娛樂，以植栽、鬥蟋蟀作轉化，暗喻恆古至今，權貴者對主導權及弱者的掌控。此外，並將此系列中的盆栽，從扭曲的生命體變成市井小民，被「龐然大物」擺弄的過程，反應小民面對巨大機制的決策與操弄，顯得脆弱與無可遁逃。畫中的龐然大物並非指射特定的人物，而是涵括所有來自外界的巨大壓力。這些壓力的形成雖並不一定是基於惡意，或更甚者，有些形塑的力量是基於善或冀望進步 ; 但不論表現方式是政府、多數方或是資本主義等種種變身，壓迫均是如此確切而且令人無所遁行。而助長或是縱容其不斷增長。最終，仍然必須面對回歸到自身的代價，而究竟何時我們會看清這樣的循環。
講評：
顏妤庭同學因關注環保和文化保存等社會議題，對於參與活動省思而生的無力感，儘管如此，最後還是必需回到創作的原位。因此，她對創作做了一番省思，且運用「盆裁」反諷一些社會現象。在中國明朝文人是最受到迫害或和壓迫的朝代，即使不談政治，卻巧妙地以物作為移情和比擬，並具批判性的意涵。





蔡宇恩，《關係風景》，

2010，壓克力、畫布，70x27cm。

↑ 蔡宇恩的創乍自述：

在我的創作中有幾個重要的符號，即是：海、陸塊和食物。海：名攝影師杉本博司視為永恆不變地存在；而我認為永恆不變的海，卻會隨著人們看待它的方式而改變。陸塊：以小圖像為單位，看得見的物體。食物：擬物。
在《關係風景》的創作中，一邊是水墨式的構圖，更顯陸塊與海的曖昧關係；另一 邊是在海面上怪異的陸塊，看似正常但，卻並非真實之場景，搞不清彼此的關係。其創作構思是試圖模擬陸地與人類生存的關係，亦即它在這時空中被看待的方式。這就如同「環保」議題，它好比貼在牆上很美的金句，看待的視角隨時空背景的有所不同。
講評：
日本藝術家杉本博司著名攝影作品《蠟燭》、《海》和《電影院》等，拍攝時間經常是長達一天、一個月或一季的時間 ，作品呈現出來的可能一曝光過度的一團火光，或一些模糊的影像。他運用作品將時間放到無限大，以及生命的無常。蔡宇恩同學這一系列作品中，運用也地景與海洋之間兩者的關係，圈選和裁剪的物件，再加以重新詮釋，顯現出年輕未來性的風景。

盧紀帆，《孤島》，2010，

木板、壓克力、鉛筆，65x53cm。

↑ 盧紀帆的創作自述：
「釘子戶」是我這一系列創作的中心。在竹北的第3期重劃區內，不難看見不想被徵收的釘子戶，可能基於經濟價值、歷史價值又或情感價值的考量，而不願妥協。它就這麼矗立於重劃區中，彷佛成了一座孤島。其妥協戶的建築群在折建的過程，台灣特有的鐵窗文化，依其年代而有所別的裝飾樣式，毫無保留地消失於地平面。僅管如此，產權轉移的買賣、新市鎮的規劃和新建等，仍不斷地進行中。
《孤島釘》的創作是我試圖從「製造」的角度切入，透過建築師規劃其硬體設施，繪圖員利用軟體做一草擬和修改設，建築群體以藍圖的樣貌進行建構。我以旁觀者的角色在電腦和畫布的畫面中，進型模擬，透過建築圖像的機制，提出了一些可以嘗試思考的問題。
講評：
盧紀帆的創作得到五位評審一致的肯定。「釘子戶」字義上有兩個層面，一是釘在那裡不動，不想被折遷；另一個層面即是到處釘下許多釘子，防礙折建。其中更深層的意義是不能割捨的記憶，以及無可替代性。蔡同學利用軟體簡易的操作的特性，即可以線形符號模擬新市鎮的規劃，呈現重劃區新建築群之間的關係，如此批判表現手法，更顯釘子戶孤島的特質。




柯毓珊，《小宇宙》，2010，

絹本設色，53x45.5cm。

↑ 柯毓珊的創作自述：

版畫《小宇宙》創作的動機檢自於：直接或間接感受到人的脆弱，不勘一擊的有形生命體，與不受時空限制的無形思想之間，形成強烈的對比。如果人可以免除一些病痛，沒有脆弱的軀殻。並臆想人體可以像機械一樣簡化，就是有破損了，即更換其零件，就像關節壞了，就給它換上新螺絲釘的想法去創作，那麼…
其實創作，並不是我尋求自我慰藉或治療，我嘗試用自己的邏輯來解構人體和世界，並將「零件」中可折解、替換的概念，不斷地複製、組合。然而，在這樣的創作過程中，我也開始思考，如果象徵「器官」的「零件」可以不斷地被複製，如此「器官」變得不再重要和珍貴，那麼人們會不會變得不懂珍惜。
講評：
柯同學的創作將生命脆弱的本質，翼望科技來解快病痛的經驗。然而，當人類的器官，一切都能以科技的零件取而代之時，疼痛的感覺不再，是一種悲哀。生命沒有優先和重要的次序，慾望橫流，不知什麼是珍惜。當生命有限，科技無限時，才能更顯生命的可貴，時間的意義，真愛的無價。


黃冠鈞，《回不到過去．看不見未來》，

2010，環氣樹脂，23.15x1.5cm。

↑ 黃冠鈞的創作自述：
《回不到過去，看不見未來》創作的概念是來自於我的成長經歷。過去、現在和未來的時間軸作為創作，過去在某個時間點，發生事和做過的決定，造成未來的未知結果。而現在無法更改過去，無法預知未來，而形成尷尬的狀態。就如同得獎作品《回不到過去，看不見未來》，運用樹脂涷結的概念，被凍結的考卷的答案卡或樂透塗卡，從那一刻起，變成是未來是無法改變的結果。
我從日常生活的行為或經驗，試圖用創作去凝結瞬間的時間點，讓被凍結的現成物呈現的是，一種尷尬和諷刺的心理狀態。並試圖中從探討人在成長的過程，受限於既定的社會結構和脈動，行為受所謂的「社會規範」、「社會價值」約束，讓生活缺少自我，對未來產生一股莫名的壓力。我想藉由創作去探討人與社會結構的關係。
講評：

黃同學利用現成物創作方式，我個人認為與Joseph Beuys的作品有幾分相似。我們知道4500年前埃及人建造金字塔，超過99%是石塊，僅有不到1%的空間是用來保存木乃伊。試著遙想，當未來的人類運用腦波來書寫時，書寫工具也就變得彌足珍貴，這是件對未來有所啟示的作品。黃同學特別標示「作品請封存於28度」，這或許更顯知識的可貴啊！